Michelle Yeoh, Kampfkunst und das Multiversum: im wildesten Film des Jahres | Filme

Es gibt eine Zeile, die Michelle Yeoh in Everything Everywhere All at Once liefert, die sicherlich bei jedem in der heutigen Zeit Anklang findet: „Sehr heute beschäftigt – keine Zeit, Ihnen zu helfen.“

Das Internet hat uns kaputt gemacht. Überschwemmt mit Informationen (und Fehlinformationen), sind wir überwältigt und emotional erschöpft. Benachrichtigungen ertönen rund um die Uhr, die Schriftrolle endet nie. Wir suchen Trost nicht in anderen, sondern in unseren Geräten – Portalen zu unseren kuratierten Inhaltsblasen und unserer Community.

„Irgendetwas im modernen Leben erinnert an eine Geschichte aus dem Multiversum“, sagt Daniel Scheinart, die Hälfte des als Daniels bekannten Regieduos. „Jeder ist in seinem eigenen kleinen Universum. Wir loggen uns alle in die sozialen Medien ein und entdecken diese Subkulturen, die manchmal wirklich schön und faszinierend, manchmal alptraumhaft und verschwörungsgeladen sind. Es ist eine sehr verwirrende Erfahrung.“

Diese Verwirrung ist die Grundlage für Daniels’ Everything Everywhere All at Once, das bereits einen Atemnotrausch auslöst loben: Es wird als der erste großartige Film des Jahres angekündigt und wurde fast sofort nach seiner limitierten Veröffentlichung zum bestbewerteten Film von Letterboxd aller Zeiten (ganz zu schweigen von Kassenzahlen und ausverkauften Kinoengagements, die seit Covid selten zu sehen waren).

Evelyn (Yeoh, in einer karrierebestimmenden Rolle), die Inhaberin eines gestressten Waschsalons, befindet sich am Tiefpunkt, da ihre Beziehung zu ihrem Ehemann (Ke Huy Quan, in einer glänzenden Rückkehr zum Film) und ihrer Tochter (Stephanie Hsu) fast irreparabel zerrüttet ist, als ein Das gefürchtete Treffen mit einem skrupellosen IRS-Agenten (Jamie Lee Curtis) enthüllt die Existenz eines gefährdeten Multiversums, das nur Evelyn retten kann. Eine solche Zusammenfassung tut einem manischen, verrückten Film voller popkultureller Referenzen, erschreckendem Körperhumor und halsbrecherischer Kung-Fu-Choreografie wenig gut, der es auch schafft, wirklich zu bewegen und einen herzerwärmenden Optimismus zu wecken, der das Primat der Freundlichkeit und Güte bekräftigt zwischenmenschliche Verbindung angesichts eines schwarzen Lochs des Nihilismus. Alles in allem, wie viele haben, liefert der Titel.

Nach ihrem von Blähungen und Erektionen getriebenen Swiss Army Man im Jahr 2016 haben sich Scheinert und Daniel Kwan zum Ziel gesetzt, ihre Version von The Matrix zu machen. In beiden Merkmalen schaffen es menschliche Körper, ihre realistischen sterblichen Formen zu transzendieren und zu Gefäßen für etwas zu werden, das viel größer ist als das, was sie im wirklichen Leben tun können. Das rührt von der gemeinsamen Liebe der Regisseure zu Tanz und körperlicher Komödie her, die zu einem wertvollen Vokabular zwischen den beiden wurde, die als Musikvideoregisseure begannen und Geschichten ohne Dialog erzählten.

Via Zoom hält Kwan eine Ausgabe von Kurt Vonneguts Roman Breakfast of Champions aus dem Jahr 1973 hoch, der die Prämisse eines echten freien Willens untersucht: „Als wir anfingen, Regie zu führen, hasste ich den Job wirklich. Ich hatte das Gefühl, diese Menschen nur zu kontrollieren und sie zu zwingen, etwas in meinem Kopf neu zu erschaffen.“ Wie Swiss Army Man, in dem sich eine Leiche als Schweizer Taschenmesser für den Protagonisten entpuppt, verkörpert Daniels’ Video für Foster the People’s Houdini eine ähnliche Angst, in der Kumpane von Plattenlabels die Leichen von Bandmitgliedern vor einer jubelnden Menge manipulieren. Aber Kwan merkt an, dass sie beginnen, sich von dieser Schuldgefühle wegen der Marionette zu etwas Optimistischerem zu entfernen. „Anstelle von Schiffen ohne zu kontrollierende Autonomie, was für ein schönes Geschenk, all diese Möglichkeiten zu haben, ein Schiff zu sein, das alles aufnehmen kann.“

Einschließlich Hot-Dog-Fingern, mit denen Evelyn entsetzt in einem Universum gesattelt wird. „Wir wollten mit unserem Publikum ein Empathiespiel spielen und uns ein Universum ausdenken, in dem Evelyn wirklich nicht sein möchte – eines, das visuell eklig ist, in dem sie in ihre Person verliebt ist, die sie am wenigsten mag – und dann sehen, ob wir das schaffen können Das Publikum und unsere Hauptfigur sehen die Schönheit darin“, erklärt Scheinert, bevor er darüber lacht, dass sie so Curtis und Yeoh in jene Szenen überredet haben, als die Schauspieler Skepsis äußerten.

Daniel Scheinert und Daniel Kwan
Scheinert und Kwan, das als Daniels bekannte Regieduo. Foto: Jack Plunkett/Invision/AP

Ein Großteil des Films wird durch die Augen von Einwanderern der ersten Generation erzählt, die versuchen, dieses Land zu verstehen, sich in der Bürokratie zurechtzufinden, Steuern zu erheben, Kontakte zu knüpfen und mit anderen Amerikanern Geschäfte zu machen. Kwan hatte ursprünglich nicht vor, eine chinesisch-amerikanische Einwandererfamilie so prominent zu zeigen, aber es ergab sich aufgrund des Genres ganz natürlich: Zu ihren Lieblingsfilmen gehörten Jackie Chan, Crouching Tiger, Hidden Dragon und natürlich The Matrix, die sich platzierten Action-Choreografie aus Hongkong im Vordergrund und in der Mitte. Als sie eine Kampfkunst durch die Linie sahen, erkannten sie, dass sie Asiaten als Protagonisten besetzen konnten. „Wie aufregend wäre das?“ Kwan erinnert sich ans Denken. Von da an begannen sie aufzuschreiben, was er wusste. Die Familie seines Vaters wanderte aus Hongkong aus und eröffnete Waschsalons in New York; er erinnert sich an die Wohnung seiner Großeltern direkt über ihrem Waschsalon.

„Everywhere Everywhere“ schöpft stark aus der Blütezeit des Hongkonger Kinos, das beide Daniels so sehr lieben. Nach dem ersten Entwurf erkannte Scheinert, wie sehr Stephen Chows unsinniger Slapstick ihr Schreiben beeinflusst hatte. „Er war einer der ersten asiatischen Filmemacher, in den ich mich verliebte und der Töne wirklich auf schockierende Weise kombinierte“, sagt er und erinnert sich an die Wirkung von Shaolin Soccer aus dem Jahr 2001. „Diese Filme sind so aufwühlend und brutal, gleich nachdem sie so hysterisch witzig waren wie Looney Tunes.“

Ganz zu schweigen von Jackie Chan und seinen typischen spielerischen Kampfsequenzen, bei denen Alltagsgegenstände als Waffen verwendet werden. ​”Wer hat Jackie Chan in den 90ern nicht geliebt?” Kwan bemerkt, und Scheinert betont: „Alle haben sich in ihn verliebt, und dann hat Hollywood seine Lektion nicht gelernt, wie man Action klar und präzise und lustig und lustig macht. Es ist so wild, dass seine Arbeit hier so viel Aufsehen erregte und so lohnend war, und doch ist dieser Aktionsstil dann einfach verschwunden.“

Als Daniels anfing, Everything Everywhere zu schreiben, war eine Geschichte, die sich um eine asiatisch-amerikanische Familie drehte, alles andere als ein Erfolgsrezept für Hollywood. Yeoh traf sie zum ersten Mal zwei Wochen vor der Veröffentlichung von Crazy Rich Asians; Niemand war sich sicher, wie es aufgenommen werden würde. Kwan erinnert sich, dass Yeoh damals bemerkte: „Ihr geht mit diesem Film eine Menge Risiken ein. Es ist sehr mutig, diesen großen Actionfilm um eine chinesische Familie zu drehen.“

Michelle Yeoh und Jing Li in Alles auf einmal
Michelle Yeoh und Jing Li. Foto: Allyson Riggs/AP

Vor fünf Jahren lieferte ein asiatischer Amerikaner in der Branche, der ihr Drehbuch las, eine farbenfrohe, von der Pokémon-Evolution inspirierte Metapher, die bei Kwan geblieben ist. „Sie sagten, die Bulbasaurs des asiatisch-amerikanischen Films seien wie Joy Luck Club oder The Wedding Banquet – wichtige Geschichten, die damals niemand über eine sehr spezifische kulturelle Erzählung erzählte. Aufgrund dieser früheren Filme können wir jetzt Dinge wie Crazy Rich Asians und Shang-Chi mit asiatischen Amerikanern in unseren eigenen Genrefilmen sehen – das sind die Ivysaurs des asiatisch-amerikanischen Kinos. Und unser Film ist ein Venusaur.“

Everything Everywhere konnte nur wegen dieser Vorgänger existieren, behauptet er: „Dieser Film zeigt, dass asiatisch-amerikanisches Kino alles sein kann, was es sein will.“ Und es fällt zufällig mit den jüngsten Veröffentlichungen von Kogonadas After Yang und Domee Shis Turning Red zusammen. Alle drei „spiegeln im Grunde das gleiche Gefühl wider“, sagt Kwan, „das heißt, wir werden erzählen, was immer wir erzählen wollen.“ Letztendlich setzt Kwan große Hoffnungen in die wachsende Inklusivität des amerikanischen Kinos: „Ich freue mich sehr auf die nächsten fünf bis zehn Jahre. Hoffentlich bekommt jede einzelne marginalisierte Gemeinschaft diese Gelegenheit, sich zu melden und zu sagen: ‚Schauen Sie, ich weiß, dass die Erzählung normalerweise so ist, aber wir haben so viel mehr zu bieten.’“

Bisher hat Everything Everywhere eine so durchschlagende Resonanz erhalten, dass man vermutet, dass mehr im Spiel ist als nur das, was auf dem Bildschirm zu sehen ist. „Die ganze Idee für die Filmkamera, alles zu sehen, wird polarisiert und in alle Richtungen geschoben“, sagt Kwan. „Jeder spürt diese Dehnung. Und dieser Film war ein Versuch, die Welten zusammenzuhalten und sich einen Ort vorzustellen, wo eigentlich alles zusammengehört und aus einem bestimmten Grund existiert – wo die Dinge nicht dieses chaotische, erschreckende Durcheinander sind, sondern stattdessen eine schöne Masse voller Möglichkeiten. Ich denke, die Leute müssen das jetzt hören.“

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